Geteilte Zeit

Die aus 2 Videos bestehende Installation wurde anlässlich der Ausstellung „Normalzeit“ produziert. Die thematische Vorgabe zu dieser Ausstellung war eine künstlerische Auseinandersetzung mit der Wiener Würfeluhr.

Beide Videos wurden mit erhöhten Kamerastandpunkt, aus einem Zimmer des Hotel Kummers, mit Blick auf die Kreuzung Mariahilferstraße/ Neubaugasse, einem Standort einer Würfeluhr, gedreht. 

Kamera 1 ist auf die Uhr gerichtet und macht 1 Foto pro Minute für 48 Stunden, und dokumentiert damit jeden Wechsel der Minutenzeiger. Kamera 2 ist auf den gesamten Kreuzungsbereich gerichtet und fotografiert in Bildintervallen von 12 Sekunden tagsüber und bis zu 36 Sekunden in den Nachtphasen.

Video 1, WienZeit, 48:00 Minuten:

Die Einzelbilder des fotografierten Materials werden auf die Dauer von 6 Sekunden gedehnt und dann mit 3 Sekunden überlappend als Film rausgespielt. In einem weiteren Arbeitsschritt wurde die Uhr freigestellt und auf 24 verschiedene Spuren kopiert und die Dauer des Ausgangsmaterials zeitlich gedehnt oder komprimiert. Die Anordnung der nunmehr 24 Uhren Objekte folgte dann der Grundform des Uhrenkorpus, und imitiert  eine räumliche Struktur, die sich über die gesamte Bildfläche ausbreitet. Durch die Mehrfachanordnung der Uhr mit unterschiedlichen Zeitanzeigen relativiert sich ein mathematisch, chronischer Zugang zum Zeitbegriff. Die unterschiedliche Zeitlichkeit der montierten Spuren lässt sich unmittelbarer über die Änderung der Lichtverhältnisse ablesen. 

Video 2, Bundesländerplatz, 15:16 Minuten

Kamera 2 ist auf den gesamten Kreuzungsbereich gerichtet und fotografiert in Bildintervallen von 12 Sekunden tagsüber und bis zu 36 Sekunden in den Nachtphasen. 23.460 Bilder wurden dann mit einer eigens erstellen Bildbearbeitungssoftware aneinandergereiht und bearbeitet. Die zugrundeliegende Idee der Software war eine Simulation eines fotografischen Stilmittels, die Langzeitbelichtung. Auf den frühen Fotografien und Daguerreotypien waren aufgrund der extrem langen Belichtungszeiten von Straßenszenerien kaum Menschen zu sehen, weil diese nicht lange genug am Platz verharrten, um von der Kamera erfasst zu werden. Diese Tatsache ist nur der Fotografie zu eigen, und nicht dem Film, weil die Abbildungsmechanismen von Zeit in den beiden Medien unterschiedlich sind. Die Fotografie „fixiert einen bestimmten Zeitabschnitt auf ein Bild, der Film hält den selben Zeitabschnitt mit mehreren hunderten, oder sogar tausenden Einzelbildern fest, die dann nacheinander gezeigt werden. Mit dem vorliegenden Film wollte ich jedoch dieses chronische nacheinander von fotografischen Momenten unterlaufen und den Versuch starten Zeit als Dauer darzustellen. 

In der für die artSCREENS modifizierten Videoarbeit “Light, Shadow, Moving and Still“ sind wechselnde Einblicke in eine Wohnung zu sehen. In einer langsamen Bildfolge zeigt der Kamera-Blick  verschiedene Räume, fokussiert Details, verliert sich im Dunkel der Nacht. Die Hauptakteure in Strohmaiers Video sind tanzende Schatten und wandernde Lichtreflexe die aufgrund von Montage, Dehnungs und -Komprimierungsverfahren das Szenario in einen widersprüchlichen Zustand zwischen Stillstand und Bewegung rücken.

Die Künstlerin führt uns mit dieser Arbeit Zeit als technologisches Konstrukt vor. In unserer medialisierten Gesellschaft der allzeitigen Verfügbarkeit, sucht das Individuum Bestätigung in einer umgreifenden Wahrnehmung zu finden. Strohmaier widersetzt sich jedoch konsequent einer Allgegenwart der Beschleunigung. Sie begibt sich mit einer nahezu anachronistisch anmutenden Beharrlichkeit, auf eine Spurensuche des Nebensächlichen, und läßt dabei in aufmerksamer Gelassenheit einfach den Tag verstreichen. 

The 4 screen video installation „Light, Shadow, Moving and Still“ shows changing views of an appartement. A static camera watches the space from different angels and viewpoints or focusses on details. The  main characters in Strohmaiers videos are moving light reflexions and dancing shadows. The changing daylight frames and shapes the scenery till it dissolves into the darkness of the night. Strohmaiers video is set in a contradictionary state between movement and standstill due to montage, elongation and compression operations.With this work the artist introduces time as a technological construction. In a media dominated society of perpetual availability the individual is seeking for an embracing cognition. But as opposed to the allencompassing acceleration of ourdays lifes, Strohmaier, with a highly concentrated calmness, is tracing the paths of the marginal and just lets the days pass bye. 

https://zonemedia.at/kapsch/

Jetzt/ Immer

Before the beginning and after the end
and all is always now

T.S. Elliot, Burnt Norton

Die beiden Videoprojektionen Jetzt / Immer der Künstlerin Jutta Strohmaier laden die Ausstellungsbesucher auf eine suggestive Reise ein. Die gezeigten Videobilder referieren auf Bäume, Natur, Blattwerk – eine Fahrt durch eine Allee. Das dargestellte Szenario wird jedoch nur angedeutet. Die Künstlerin hat sich darauf beschränkt das Spiel von Licht und Schatten auf ihrem Weg einzufangen. Die wechselnden Lichtverhältnisse der montierten Aufnahmen führen eine Rhythmisierung des Raumes ein, der sich als Gewebe von Schattenstrukturen darstellt. Der Gleichzeitigkeit und Überblendung von unterschiedlichen Blickachsen in der zentralen ersten Videosequenz steht im zweiten Video eine Fahrt gegenüber, in der sich das Bild fortwährend entzieht. Die Mehrdeutigkeit zwischen Bild und Abbild, Objekt und Schatten, Fläche und Raum, Bewegung und Stillstand wird dabei durch eine collagenartige Toninstallation unterstrichen. 

Strohmaier begibt sich in ihrer Arbeit auf die Suche nach der Qualität des Augenblicks. Durch die Überlagerung und Transformation von räumlichen und zeitlichen Parametern wird eine Ästhetik der Bewegung und Veränderung eingeführt. Die Anordnung der Projektionen in Verbindung mit der Soundinstallation dokumentieren das Erleben einer räumlichen Erfahrung. Der ursprüngliche Ereignisraum steht dabei jedoch nicht im Vordergrund. Die Künstlerin schafft mit poetischen Mitteln eine Verbindung zwischen äußerem Erleben und möglichen Innenwelten/ Erinnerungen.

Now/ Always

is a video and sound installation with 2 projection screens and a 4 channel surround soundtrack. It is an invitation to a suggestive journey. The two video screens refer to trees, nature, foliage – a trip along an treelined street. But the whole scenery is just to be seen as adumbration. I limited myself to catching only the play of lights and shadows on my path. The changing light situations invent a rhythmical space that is formed as a netting of shadow structures.

For the first video I walked down the street and shot different perspectives of the shadow structures and the moving leaves with a fixed camera. These different viewing angels were than animated in a movie. The second projection shows a ride along exactly the same treelined street. The camera was fixed on a bicycle and filmed the passing ground.  

The ambiguousness of image and picture, object and shadow, surface and space, movement and standstill is underlined by a collage-like sound installation. With this work I go on a search for the quality of a moment. Through transformation and overlapping of spatial and chronological parameters I try to invent an aesthetic of movement and change, seeking a space of memory, the floating sense of childhood.

So in this sence, space is not something that was primordially there, hence it was created through human activity, by clearing the wilderness.

Im Dickicht Video 2005, Sound Markus Mayerhofer.

Im Dickicht

In ihrem Animationsfilm Im Dickicht reflektiert JUTTA STROHMAIER die Natur als eine Konstruktion des Menschen, wie sie sich in seiner Wahrnehmung und Vorstellung konstituiert. Aus einzelnen Fotos, die während des realen Durchlaufens eines Walddickichts entstanden, entwickelt Jutta Strohmaier mittels digitaler Technik eine neue, von der Realität losgelöste Darstellung eines Waldes. Rekonstruiert sie im ersten Teil des Filmes aus den Fotos in Ansätzen noch die Bewegung durch das Dickicht, atmosphärisch aufgeladen durch die Geräuschkulisse eines klirrenden Knackens und Rauschens, wird der Raum in weiterer Folge immer abstrakter, mischt sich mit Assoziationen von Wegplänen, Ganglien, Graffitispuren. Der Gestaltungsprozess führt schließlich dazu, dass das Dickicht in die plane Fläche des blauen Himmels aufgeht und verschwindet.

Pressetext, 2006 Galerie Barbara Gross, Schauplatz Natur.  

Im Dickicht der Begriffe

Alle Darstellungsmedien sind eine Art Abstraktion der Realie, von der sie einst ausgegangen sind. Sie vermitteln zwischen dem, was wir tatsächlich vorfinden und dem, was uns die „Übersetzung“ zeigt. Etwas poetisches scheint in den Medien zu liegen, wenn wir erkennen müssen,  dass sie zwar so erscheinen als wären sie eigenständig und hätten ihre Referenz zum Realen nicht nötig. Sie können aber nicht ohne die Erinnerung ans Reale existieren. Réne Magritte, Meister der strengen Form verbunden mit poetischer Leichtigkeit , der wiederum zu höchster philosophischer Intellektualität und gleichzeitiger Rätselarbeit verbindet, sagte 1960 in einem Interview: „Ich zeige niemals bizarre oder seltsame Gegenstände in meinen Bildern. Es sind immer vertraute, nicht-bizarre Dinge. Aber die vertrauten Dinge sind so vereint oder umgestaltet, dass, wenn wir sie so sehen, wir denken müssen, dass es etwas anderes, Nicht-Vertrautes gibt, das uns zugleich mit den vertauten Dingen erscheint.“ In Jutta Strohmaiers künstlerischer Praxis kann man dieses Nebeneinander von Vertrautem und Nicht-Vertautem spüren, sie changiert dabei zwischen mehreren Dimensionen der Darstellung und wechselnden Medien.

Günther Holler-Schuster, 2005 

Passenger

Mit einer fix montierten, computergesteuerten Digitalkamera wird über mehrere Tage hinweg jede Minute ein Foto von einem Raum gemacht. Die Kamera ist auf die Innenseite einer Fensterfront gerichtet, wobei sich die Transparenz der Scheiben entsprechend den herrschenden Lichtverhältnissen verändert. Während die Fenster bei Tag nur einen sehr vagen bis gar keinen Blick nach außen preisgeben, tritt der Außenraum mit Einbruch der Dunkelheit zunehmend in den Vordergrund. 

Strohmaier untersucht den Raumbegriff hinsichtlich seiner Kategorisierungen in Zugehörigkeit / Ausgeschlossensein, Eigenes / Fremdes, Offenheit / Geschlossenheit, etc. 

Den Rahmen der Arbeit bildet sozusagen ein privater, nach innen gekehrter und kontemplativer Raum, der sich mehr oder weniger zum Außenraum hin öffnet. Das basale Bedürfnis des Menschen nach einer wie auch immer gearteten Form von räumlicher Verankerung – nach einer Heimat, nach Standhaftigkeit, nach einer eindeutigen Perspektive auch im übertragenen Sinne – manifestiert sich oftmals erst in dem Gefühl, an der Schwelle von etwas zu stehen, aus einer Unsicherheit im Übergang oder einem Drang zur Neuorientierung heraus, und wird hier gleichsam als eine Funktion wechselnder Lichtverhältnisse veranschaulicht.

Sarah Kolb

Passenger

A photograph is taken of a space every minute over the course of several days using a fix-mounted computer-controlled digital camera. The camera points to the inside of a glazed facade. It is set to over-expose by two f-stops. The level of transparency of the glass alters in accordance with the prevailing light conditions. While the windows only provide a very vague view outside or none at all during the daytime (in sunlight they appear to actually isolate the space, becoming white opaque surfaces), as darkness falls the exterior becomes increasingly prominent. In the case at hand it is the apartments opposite or a facade that draw our gaze at night in changing lighting. The only sparse natural light and the excerpt quality of the view outside in particular lend the interior the character of a stage, one that begins to slide into the focus of our attention as dawn breaks. This documentation of a continual shift in perception in the grey zone between inside and outside is edited to form a video loop.

A central issue addressed by the project is a consideration of a variety of possible spectrums of perception, with the alternating relationship between various interior and outdoor worlds as well as the basic relative connotations of these terms. The notion of space itself is explored, in particular with regard to its categorisation into affiliation/exclusion, self/other, flexibility/rigidity etc. The setting of the project forms, so to speak, a private inward-bound and contemplative space, one that opens to a greater or a lesser extent outwards according to its state in context. The basal human need for some kind of a spatial anchor-point – for a homeland, for constancy, for a clear perspective in a metaphorical sense, too – is frequently only first manifested in the feeling of standing on the threshold to something, from a lack of certainty in the transition, or as the result of an urge to re-orientate, and is illustrated here simultaneously as a function of changing light conditions.

Sarah Kolb

The Hedge series is a transformation process accomplished by changing media and dimensions during its development. A digital photograph of a hedge is the basic material for this body of work. Graphically overpainted and then enlarged as a papercut it gets transformed to an object. This object becomes the projection screen for the photogramms, so through the exposure processing the dimension of time is added. The objects then also serve as a projection screen for the shadow projection.

Ausstellungsansichten, Neue Galerie Graz, Hecke Fotogramme und Schattenprojektion Hecke, 2004.

Jutta Strohmaier schafft Wirklichkeiten – losgelöst vom Realen. Poetisch bewegen sich ihre Arbeiten über die verschiedenen Genres: von der digitalen Fotografie zu Grafik und Skulptur und wieder zurück zum Lichtbild. „In ihren Fotogrammarbeiten zeigt sich, ausgehend von der Natur als Kulisse und Requisit, eine grundsätzliche Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten von Konstruktion und Dekonstruktion von Raum. Ganz bewusst operiert sie dabei mit der Überschreitung medialer Grenzen und hinterfragt die spezifischen räumlichen Eigenheiten des jeweiligen Mediums.“ (Maria Schindelegger)

For the Sculptura in the svedish town of Falkenberg in 2002 I chose a torn down watchtower of the former castle as location for a site specific installation. The historical place that was built to protect the community against intruders lost its meaning. The watchtower, formerly a place to overlook the site was just a square cavern in the ground. I saw that people were using this place to throw in their trash.

I installed a lightbox inside of it. The image printed on the screen was a photoshopped satellite image of the world. So I inverted the view of the watchtower and at the same time gave the place a new meaning. If it gets dark, there is a gentle blue glow illuminating the surroundings of the hole, like a treasure that has to be discovered….

Semantiken des Territorialen:

zur Foto-Installation Treasure

Im Rahmen von Sculptura 02 – International Art in Public Spaces lud die südschwedische Gemeinde Falkenberg von Mai bis September 2002 ein, ihren Ort zum Gegenstand künstlerischer Auseinandersetzungen zu machen. Jutta Strohmaier realisierte dafür in der Borgen Falkenberg die Foto-Installation Treasure. Bei der Borgen handelt es sich um eine bereits 1434 niedergerissene Befestigungsanlage; 1886 schliff man die verbliebene Ruine noch um ein weiteres Stück, um der Eisenbahn den Weg zum nahen Hafen zu bahnen. Soziokulturelle Umwälzungen haben die ursprünglich der Anlage eingeschriebene Primärfunktion einer Raumkontrolle längst hinfällig gemacht. Von der gegenwärtigen Marginalisierung dieses Orts im kollektiven Gedächtnis der GemeindebewohnerInnen zeugt seine schwache Bedeutungs-Besetzung: Weder hat er eine Umwidmung zu einem ästhetisch-touristischen Gelände erfahren, noch stieg er zu einem Ort ritueller Erinnerung – einschließlich der Habilitierung des Restgemäuers zu einem Monument – auf.

Diesen Umstand griff Strohmaier auf: Innerhalb der Ruine liegt ein verwittertes, von Grün bereits überwuchertes Geviert von nahezu sechs Metern im Quadrat und vier Metern Tiefe. In es hat die Künstlerin ein in einem Leuchtkasten montiertes Satellitenbild eingesenkt. Präziser gesagt ist es ein von ihr erneut abfotografiertes Satellitenbild, das die Erde, vom Weltall aus aufgenommen, zeigt. Dieses dem militärisch-industriellen Komplex aus den Zeiten des Kalten Kriegs entsprungene Produkt, entstanden durch Verschaltungen von Telekommunikation, Raumfahrt- und Computertechnik, verkörpert eine forcierte Technik räumlicher Kontrolle, einen unbestritten privilegierten point of view (obgleich seit einigen Jahren der demokratisierte Zugang zu Satelliten gefordert wird und ein Markt für zivile Spin-offs keimt). Jede (Kommunikations)technik erzeugt sein spezifisches Territorium, das sie zu beherrschen vermag. Die panoptische Satellitentechnik hebt Randregionen auf und verabschiedet damit das soziale Kräftespiel von Zentrum und Peripherie zugunsten einer zeitgemäß(er)en Machtkonstellation. Das von Satelliten gelieferte Bild kondensiert als Superzeichen eine Idee vom Ganzen, das (wieder) ins Blickfeld genommen wird: geografisch, meteorologisch, ökologisch, kommunikativ, militärisch. Strohmaier demaskiert, verbunden mit der Ermächtigungsstrategie, die im Abfotografieren liegt, die Ikone „Mutter Erde“ indes durch das Photoshop-bearbeitete Blow-up und deren randständige Situierung in der Borgen.

Die Installation Treasure verhandelt die gesellschaftliche Produktion von Raum, indem sie zwei differente territoriale Ordnungen – Lokales (Ruine) und Globales (die Erde, genauer deren Repräsentation) – zueinander in Stellung bringt. Mit diesem Eingriff rückt die Künstlerin den auch phonetisch angedeuteten lokalen „Abfall“ Borgen Falkenberg – nun zum „Schatz“ gewandelt – wieder in den Sinn der Ortsansässigen ein.

Michael Ponstingl

By exploring and extending my research from the personal space to  architectonic spaces, and then from built space to the mere idea of space and place I became familiar with contemporary theory. This Installation deals with the terms of space and place in a philosophical but also political way.

In this installation a satellite image of Seattle is projected onto the sand-covered floor of the exhibition space. One can see houses, streets, the overall structure of the city. The projection shows an empirical space; routes, networks, workplaces, private houses… which one can consider as place.

As soon as the visitor enters the installation, she herself becomes a projection surface and is confronted with her own shadow which at the same time cuts a „hole“ in the structured landscape of the projection. The visitor influences the appearance of the installation alone with her presence and with each movement. Every step leaves behind footprints which lead to blurriness and unevenness in the projection. The projected network of the city becomes a continuously changing landscape. The central moment of this work is followingly the visitor who with her physical presence – with her body and weight – makes the spatial experience itself possible.

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Upon entering the room where Jutta Strohmaier has projected a satellite picture of Seattle upon a floor covered with fine sea-sand, one finds onesef moving over a city structure of roads, streets, buildings and meandering riverbeds. Every step will be an enchroachement upon the picture and the slight fuzzy shaking of the projector creates a feeling of vertigo. We are within the picture but also lighyears away. In his latest book, Passage to Juneau, the Brithish-American feature-writer Jonathan Raban describes Seattle as „the city of of virtual reality“. The breach between the real and the virtual is also present in Strohmaiers work; the city is both an abstaction and a tangible landscape.
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Urban Spaces, Arthall Gothenburg
Sara Michaelsson